martes, 31 de marzo de 2015

Histografía: Robert Capa. 1954

Su ultima fotografía.


1954. Convoy militar francés. Ruta del Nam Dihn en Thai Bihn. Vietnam

En abril de 1954, Robert Capa pasó tres semanas en Japón como invitado de la agencia de publicidad Mainichi Shimbun, con el fin de prestar asesoramiento en el lanzamiento de una nueva revista fotográfica. Durante su estancia, se dedicó a fotografiar niños en Tokio, Osaka, Kioto… Mientras estaba en Japón, la revista Life le propuso pasar un mes en Indochina para sustituir a un fotógrafo que había regresado a Estados Unidos y Capa aceptó. 

El 25 de mayo de ese mismo año, Capa acompañaba a un convoy francés en una misión de evacuación de dos puestos que habían quedado a merced del enemigo en el delta del río Rojo. Durante una pausa del viaje, Capa se adentró en uno de los campos aledaños a la carretera para fotografiar a un grupo de soldados franceses. Pisó una mina antipersona que le le voló la pierna y le produjo una grave herida en el pecho y murió en el acto.

De este modo se convirtió en el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y se terminó una azarosa vida profesional.

Su hermano, en el prólogo de “Ligeramente desenfocado” autobiografía de Capa, dejó escrito:

La vida de Robert Capa es un testamento de dificultades vencidas, desafíos superados y apuestas ganadas, salvo en su final, cuando pisó aquella mina en Indochina que puso fin a su oficio de testigo. Nacido sin medios para viajar y criado en un idioma poco útil más allá de las fronteras de su pequeño país, Hungría, consiguió experimentar el mundo a travesee de un medio de comunicación universal, la fotografía. Fue así capaz de comunicarse con todos nosotros, entonces y ahora.
Durante su corta estancia en nuestro mundo, vivió y amó mucho. Nació sin dinero y murió sin dinero. Lo que dejó atrás es la historia de su viaje irrepetible y un testimonio visual que reafirma su propia fe en la capacidad de los seres humanos para resistir y, a veces, triunfar.
Cornell Capa. (1999)

viernes, 27 de marzo de 2015

Enfocando a... Roger Fenton

Valle de sombra de muerte (1855)


Valle de sombra de muerte. Impresión en papel salado. Roger Fenton. 1855
Valle de sombra de muerte. Impresión en papel salado. 1855

Vemos un camino que recorre un árido paisaje, algo sencillo, pero esta es una de las imágenes bélicas más famosas. Es una de las primeras. Su título esta tomado del Salmo 23, en el que se habla de prados de tiernos pastos, alias tranquilas y sendas de justicia. Los aspectos positivos y redentores del salmo deben haber formado parte siempre del significado de la fotografía. Los contemporáneos veían también las balas de cañón, posadas como piedras en el camino, como restos dejados por los glaciares, incidentales así a entender la guerra como una catástrofe natural provocada por el hombre. 

Roger Fenton fue pintor en sus orígenes, se formó en Londres y en París, en el estudio del artista Paul Delaroche. En 1853 fue uno de los fundadores de la London Photographic Society, que después ser ala Royal Photographic Society. Fenton hizo unas 300 fotografías de la guerra de Crimea, que merecieron una respuesta poco entusiasta cuando se pusieron a la vente en 1856.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 

Más información:

miércoles, 25 de marzo de 2015

Películas que debería ver un fotógrafo... Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus

By: Steven Shainberg

Sipnosis: En contra de los deseos de su familia, Diane Arbus (Nicole Kidman), se enamora de Lionel Sweeney (Robert Downey Jr.) y gracias a él la chica se convertirá en una de las más importantes fotógrafas del siglo XX.

Cartel

Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus esta inspirado en el libro de Patricia Bosworth “Diane Arbus Una Biografia”, homenaje a una brillante artista que cuestionó las ideas convencionales sobre la belleza y la fealdad y cambió para siempre la fotografía a través de su técnica y de sus temas radicales. Diane Arbus que vivio de 1923 a 1971 es para muchos una de las artistas mas importantes del siglo veinte. De lo que no hay duda es que cambió la fotografía americana para siempre. La película mezcla aspectos reales de la vida de Arbus con personajes inventados y una trama imaginaria que capta el verdadero dilema de un ama de casa de los cincuenta que se debate entre el amor por su marido e hijas y su necesidad de crear y explorar.

Se rodó en 57 días por las calles de Nueva York.

Los protagonistas son Nicole Kidman, Robert Downey Jr., Ty Burrell.

Más información: 
Imágenes de la película:

Escenas Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus
Nicole Kidman como Diane Arbus 
Escenas Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus

Escenas Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus
Nicole Kidman y Ty Burrell

Escena de Fur: An imaginary portrait of Diane Arbus
Nicole Kidman y Robert Downey Jr.

martes, 24 de marzo de 2015

Histografía: Robert Capa.1949

Cuando finalmente se cumplió su viejo sueño de ser un "fotógrafo de guerra en paro”, no por haber renunciado al oficio, sino a la ausencia de nuevos conflictos bélicos, llevó durante varios años una placentera vida cosmopolita en París. En 1947 creó, junto a sus amigos y fotógrafos Henri Cartier-Bresson, George Rodger, William Vandiver y David Seymour (Chim), la agencia Magnum Photos, una agencia de caracteres cooperativo. Capa ocupaba la mayoría de su tiempo en dirigir las oficinas de París y Nueva York. Dedicaba especial interés y entusiasmo a los fotógrafos jóvenes, a quienes invitaba a unirse a la agencia. Los trataba como una prolongación de su familia y se esforzaba en conseguir proyectos para ellos. Los animaba, los aconsejaba, les prestaba dinero e incluso les llevaba a fiestas o a cenar.

En 1946 Capa se había convertido en ciudadano estadounidense, pero permaneció en París entre finales de los años 40 y principios de los 50. En esta ciudad disfrutaba de una vida llena de glamour: tardes de carreras, noches en night-clubs rodeado de mujeres hermosas y eternas partidas de póker. Durante este periodo entabló amistad con John Huston, el actor Gene Kelly, Pablo Picasso, Ernest Hemingway y John Steinbeck, entre otros.

A finales de los 40, Capa comenzó a colaborar en varios proyectos de amigos literarios. El verano de 1947 lo pasó viajando por la Unión Soviética junto a John Steinbeck. Fruto de este viaje fue el libro “Un diario ruso”, donde se yuxtaponían los textos de Steinbeck y las fotografías de Capa. En 1948 la revista “Holiday” envió a Capa y al periodista Theodore H. White a Hungría y a Polonia, y en 1949 Capa trabajó junto a Irwin Shaw en el libro “Report of Israel”.

1949. Mujer llevando el equipaje acompañada de un niño. Haifa. Israel. Robert Capa
1949. Mujer llevando el equipaje acompañada de un niño. Haifa. Israel

viernes, 20 de marzo de 2015

Enfocando a... Bruce Nauman

Autorretrato como fuente. Impresión de tipo C (1966)



El fotógrafo, que se imagina como una fuente, lanza un delgado chorro de agua hacia la cámara. La ambición de Nauman, formada en los primeros años de su carrera como fotógrafo, era hacer cosas cargadas de significado personal, lo que significaba usar su propio cuerpo en performances registradas fotográficamente.

El autorretrato como fuente, pertenece a una serie de once fotografías en color que datan de 1966 a 1967. Las otras imágenes del conjunto ilustran juegos de palabras y frases hechas. Un ejemplo es “pies de barro” en la que se muestra unos pies embadurnados de barro, o “tragándome mis palabras” donde se muestra palabras comestibles en un plato. 

Nauman se sentia fascinado por las ideas y los objetos sencilos que pudieran exhibirse como arte. Renunció al refinamiento, aunque en esta imagen hay un eco del famoso urinario de Marcel Duchamp, expuesto en 1917 con el titulo de “fuente”. 

En la decada de 1960, y en parte debido al ejemplo de Nauman, la fotografía y la escultura comenzaron a acercarse.


¿Quien es Nauman?

Bruce Nauman nació en 1941, en Fort Wayne, Indiana, EE. UU. Estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin-Madison y arte en la Universidad de California. En los años 1980 se trasladó a Nuevo México. Gran parte de su trabajo se caracteriza por un interés en el lenguaje y en la capacidad ambivalente de éste. En 1990 recibió el Premio Max Beckmann. En 2002 participó en la exposición Sunday Afternoon para la galería 303 en Nueva York, comisariada por Patricia Martín, donde las obras destacaban por la minimización de los medios y los gestos, y como a través de la repetición se puede producir obras de extrema densidad visual, física y conceptual. En 2004 expuso su obra Raw Materials en Tate Modern, Londres. Ocupa el tercer puesto de los artistas más cotizados según Artfacts.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 



Más información: 
http://es.wikipedia.org/wiki/Bruce_Nauman

miércoles, 18 de marzo de 2015

Películas que debería ver un fotógrafo... Frames from the Edge: Helmut Newton


By Adrian Maben



En esta película de 1989 un equipo sigue Helmut Newton por Los Ángeles, París, Montecarlo y Berlín, captando sus métodos de trabajo,el espíritu y la actitud de la moda de los 80 y el mundo de las celebridades. El documental cuenta con entrevistas a modelos y celebridades donde comentan sus métodos de trabajo. Por destacar alguna… Sigourney Weaver, Catherine Deneuve o Karl Lagerfer, entre otros.

Claudia Schiffer by Helmut Newton
Claudia Schiffer by Helmut Newton

Catherine Deneuve by Helmut Newton
Catherine Deneuve by Helmut Newton

Sigourney Weaver by Helmut Newton
Sigourney Weaver by Helmut Newton

Helmut Newton, fue un fotógrafo australiano de origen alemán al que se la considerado como uno de los más importantes del siglo XX. Crea un estilo propio en sus fotografías, las que están repletas de glamour y seducción y donde predominan los desnudos femeninos y los tacones de aguja.

Más información:
Documental

martes, 17 de marzo de 2015

Histografía:Robert Capa 1944

El día D

Soldado de primera clase Huston S. Riley. Desembarco de Normandia. 1944
Soldado de primera clase Huston S. Riley. Desembarco de Normandia. 1944

Durante la II Guerra Mundial, Robert Capa está presente en los principales escenarios bélicos de Europa, así desde 1941 a 1945 viaja por Italia, Londres y Norte de África.

El día D, 6 de junio de 1944, el día del desembarco aliado en la costa francesa, era una ocasión grandiosa e irrepetible. Allí estaba él con sus cámaras: la Rolleiflex con negativos de 6x6 cm y la Contax de 35 mm para capturar con rapidez los instantes decisivos de la batalla.

Desembarcó a las 6.30h de la mañana en la playa más complicada y sangrienta, la denominada Omaha, la que se atragantó a las tropas americanas y donde murieron buena parte de los soldados que caerían en la batalla de Normandía. Estuvo en tierra menos de hora y media, el tiempo suficiente para realizar un carrete con cada una de sus cámaras y volver hacia los barcos de retaguardia por donde había venido. No intentó recargar sus cámaras, una operación muy difícil en aquellas circunstancias, hasta que se encontró de regreso en una lancha de desembarco rumbo hacia un barco nodriza. Había tomado 72 imágenes y dijo más tarde...
…a las 4:00 am nos reunimos en cubierta. Dos mil hombres de pie en completo silencio. Cualquier cosa en la que pensaran debía ser alguna forma de plegaria (...) nos bajamos del bote y comenzamos a andar. entonces vi a los hombres caer y debí empujar sus cadáveres para seguir. Las balas hacían huecos en el agua a mi alrededor y debí ocultarme tras el primer obstáculo de acero que vi. Mis encuadres estaban por completo llenos de humo de mortero, tanques quemados y botes que se hundían. Cada pedazo de mortero chocaba con el cuerpo de algún hombre. Tome foto tras foto enloquecidamente.
Robert Capa llegó a Inglaterra la mañana del 7 de junio y desde Weymouth se despacharon los carretes hasta Londres, donde el equipo de la revista Life estaban esperándolos muy nerviosos porque la agencia Acme ya había difundido las primeras imágenes de las playas, tomadas por Bert Brandt. Con las películas ya en su poder, Morris (editor de Life y jefe de Capa) puso en marcha todo el proceso para llegar al cierre de la revista. Sin embargo, con las prisas y la presión, se produjo el desastre: el técnico de laboratorio se equivocó y las dejó en la secadora con la puerta cerrada y la emulsión se estropeó. Sólo se salvaron once fotos, conocidas como "las once magníficas". Y aquella tragedia, una vez más, jugó a favor de Capa. Cuantas menos fotos, más importancia adquirían las que se salvaron. Y además estaban justo ligeramente movidas y desenfocadas, el consejo que daba a sus compañeros para que sus imágenes adquirieran mucho mayor dramatismo de cara a los editores.

En sus memorias “Ligeramente desenfocado", editado por La Fábrica, Capa comenta sobre lo ocurrido…
…Siete días más tarde me enteré de que las fotografías que había tomado en Easy Red se consideraban las mejores del desembarco. Sin embargo, un asistente de laboratorio había aplicado demasiado calor al secar los negativos; las emulsiones se fundieron y se destintaron ante los ojos de toda la oficina de Londres.
Se publicaron por primera vez en Life el 19 de junio de 1944 bajo la leyenda “ligeramente desenfocado”, descripción que luego usaría a modo de título el propio Capa para sus memorias.. Son apenas trazos borrosos de aquellas escenas apocalípticas. Sólo en una de ellas, la más famosa, se puede identificar un rostro, el del soldado de primera clase Huston S. Riley, que sobrevivió a esta sanguinaria batalla y que al terminar la guerra se estableció en una isla cerca de Seattle.


Enlaces de interes

lunes, 16 de marzo de 2015

Exposímetros y medición de luz

El exposímetro, es un dispositivo que da la medida de la exposición en EV (exposure values) o en la relación de diafragma/velocidad de obturación. Aunque hoy día la gran mayoría de las cámaras llevan un exposímetro incorporado, los exposímetros manuales son una accesorio de gran utilidad, especialmente en situaciones de iluminación difícil.

Existen cuatro tipos de exposímetros:

  • De Selenio (Se)
No requieren batería, la célula fotosensible es de gran tamaño y suele estar recubierta por una malla en forma de panel de abeja. Cuando la luz incide sobre la célula voltaica genera una pequeña corriente eléctrica. Cada valor de esta energía corresponde a un diafragma.

Lo bueno de estos exposímetros es que no necesitan pilas para que funcionen y son baratos, lo malo es que no mide luz puntual y en condiciones de poca luz no funciona.

Exposímetro de Selenio
Exposímetro de Selenio
  • De Sulfuro de Cadmio (CdS)
Requieren batería, ya que la fotoresistencia de la que esta compuestos no genera energía cuando la luz incide. Las ventajas de este tipo de exposímetro son que mide la luz continua y la de flash, mide ángulo incidente y ángulo reflejado, son más rápidos en la medición que los de Selenio y mide en cualquier condición de luz. Las desventajas, mala respuesta a la luz emitida por los colores rojo, amarillo, rosa y naranja, son de respuesta lenta en situaciones de poca intensidad luminosa y se deslumbran/ciegan por encima de un cierto umbral de luz.

Exposímetro de Cadmio
Exposímetro de Cadmio


  • De Silicio (Si)
Requieren batería, son los de respuesta más rápida, miden ángulo incidente, ángulo reflejado, flash y EV. Los exposímetros de Silicio llevan una escala para ajustar la sensibilidad y la velocidad. Por medio de esta operación queda determinado el valor de exposición o las combinaciones diafragma/velocidad equivalentes. Normalmente existe una escala para situaciones de alta luminosidad y otra para baja luminosidad. Las ventajas de este tipo de exposímetro son que no se deslumbran/ciegan y tienen buena respuesta a todos los colores. Las desventajas, que si tiene un fallo de décimas en la medición no se puede arreglar y es de por vida, por lo que hay que conocer ese valor para compensar.

Exposímetro de Silicio
Exposímetro de Silicio


  • Células de fósforo - galio - arsenico
Llevan una fotoresistencia, por lo que necesitan pilas. Su principal ventaja es que son muy sensibles, lo que los hace idóneos para malas condiciones de luz y no se deslumbran con luces muy directas. Los inconvenientes es que la célula tiene un tiempo de vida muy corto.

¿Como medir la luz?
Existen dos medidas de luz que se pueden efectuar con un fotómetro: la luz incidente y la luz reflejada.

medición de la luz


Para efectuar las medidas de luz incidente se coloca una semiesfera difusora ante la célula fotoeléctrica y se dirige el fotómetro desde la posición del objeto hacia la fuente de luz. Para medir la luz reflejada por el objeto se quita la semiesfera difusora y se coloca la de nido de abeja y se apunta desde la posición de la cámara hacia el objeto teniendo cuidado de no tomar la medida del cielo o de otras partes que no interesen y que puedan distorsionar la medida.

viernes, 13 de marzo de 2015

Enfocando a... Fay Godwin

Fay Godwin. 1990
Sin titulo, impresión de tipo C, 51x61. Fay Godwin. 1990
Esta imagen podría ser una fotografía de un paisaje tomada a través de las capas verdosas de la superficie. Esos elementos verticales podrían ser postes indicadores o incluso lápidas. La superficie cubierta de musgo o polvo más cercana parece casi un sistema meteorologico registrado por un satélite, aunque también está interrumpido por iniciales grabadas y por los restos de dedos infantiles o caracoles.

El tema de Fay aquí, como en todas las demás fotografías en color realizadas durante los años 90, es una historia biológica más amplia, que mezcla la primavera con el otoño, con intervenciones humanas tan vulnerables como se puede apreciar en esta imagen. A veces sus fotografías incluyen los tallos y las venas de las plantas, conmovedora sugerencia de que el paisaje también vive y respira.

Fay Godwin, que fue una importante paisajista británica, nació en 1931 en Berlín, Alemania, su padre era un diplomático británico y su madre una artista estadounidense. En 1958 se fue a vivir a Londres, donde comenzó a interesarse por la fotografía retratando a sus hijos pequeños. En 1975 publica su primer libro, como co-autora, con el escritor JRL Anderson. En 1978 recibe el premio del Consejo de las Artes de Gran Bretaña y sigue trabajando en fotografías del paisaje de las islas británicas, gran parte del cual se incluye en la retrospectiva “Land”. Es Presidenta de la Asociación “Ramblers” del 1987 al 1990, año en el que la nombran Miembro Honorario de la Real Sociedad Fotográfica. En 1992 la nombran Miembro Honorario de la Real Incorporación de Arquitectos en Escocia y en 1995 recibe el Premio de las Artes del Norte para el Año de las Artes Visuales, y de la Fundación Victor Hasselblad Erna y trabaja en la contribución de los pequeños agricultores al carácter del paisaje de Cumbria. Murió, mayo de 2005 a los 74 años.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 
Olivo Barbieri
Laura Gilpin
Werner Hannappel
Stephen Shore
Shomei Tomatsu

jueves, 12 de marzo de 2015

El ciclo de la luz


Foto: mamen calderónLa luz natural es la base para realizar cualquier tipo fotografía natural. Otro tipo de fotografía depende mucho del flash, pero la mayoría de los paisajes dependen por completo de los rayos del sol como fuente de luz. Esa luz natural del sol va cambiando a lo largo del día. Una foto tomada a las 9:00 se verá diferente de la tomada a las 7:00, incluso si es el mismo encuadre, el mismo ángulo, y mismos ajustes de la cámara y distancia focal. Por lo tanto, la comprensión de estos cambios que se producen a lo largo del día es fundamental para mejorar tus fotografías.

Los cambios en la luz natural no sólo afectan a la iluminación general y el nivel de exposición de las fotos, también afecta al color y el contraste. Cada momento del día se presta a diferentes efectos en tu imagen, así que si sigues leyendo este artículo darás un rápido paseo por los momentos del día.

Se pueden realizar buenas fotografías una hora antes y una hora después de la salida del sol, pero donde realmente se produce la luz mágica es unos instantes antes de que asome los primeros rayos. Durante este tiempo, el cielo se empieza a iluminar, pero el sol aún no está en el horizonte. Los niveles de luz son muy bajos, por lo que para realizar nuestras tomas necesitaremos tiempos de exposición muy altos. ¡Así que no se te olvide el trípode y el disparador remoto! Lo mejor de esta hora… que el ángulo de incidencia de los rayos del sol en la atmósfera crean colores en el cielo imposibles de encontrar en las siguientes horas del día, además tendremos unas imágenes duras de contraste ya que la visión es un poco oscura.

Al ese momento del día antes de que salga el sol se le conoce como crepúsculo, y se encuentra dividido en tres segmentos:
  • Crepúsculo astronómico: Durante este tiempo, el cielo esta todavía oscuro y las estrellas se ven con claridad, pero los rayos indirectos del sol están empezando a iluminar el cielo. El sol estará entre 12 y 18 grados por debajo del horizonte. No se diferencia mucho de la noche, ya que la luz del sol es muy baja, por lo tanto, al fotografiar durante este tiempo, se necesita un trípode y disparador remoto.
  • El crepúsculo náutico: El es el período de tiempo donde se empieza a apreciar el horizonte. El sol está entre 6 y 12 grados por debajo del horizonte. Aún se pueden ver algunas estrellas, pero el cielo está más claro, sobre todo cerca de la línea del horizonte, y se aprecia un ligero tinte azul en el cielo. Todavía se necesitará un trípode, pero ahora se puede capturar detalles en primer plano, así como las estrellas en el cielo.
  • El crepúsculo civil: Este es el período de tiempo antes de que el sol ha salido. El sol está entre 0 y 6 grados por debajo del horizonte, aún no ha salido, pero todo lo que te rodea esta iluminado. En este momento podremos dejar de usar el trípode, pero es recomendable seguir usándolo :)

Inmediatamente después del crepúsculo nos encontraremos con la salida del sol. El paisaje está iluminado, pero los rayos del sol tienen un tono cálido por el hecho de que partes del sol están todavía detrás del horizonte y los rayos están atravesando gran cantidad de la atmósfera antes de que te alcancen, por esto, el cielo suele tener un color más cálido. ¿Lo mejor de este momento? Que se puede poner el sol directamente en la imagen. Y si quieres crear un estallido estelar alrededor del sol, sólo tienes que asegurarte que tienes una apertura de diafragma entre F16 y F22, así conseguirás un halo alrededor del sol.

Después de la salida del sol, aunque el sol ya es visible en su totalidad, sigue siendo un buen momento para la fotografía, ya que la luz que hay es difusa pero el sol se va desplazando por el cielo y la luz se va haciendo cada vez más dura, hasta que llega a su momento cumbre: el mediodía, donde las imágenes que obtenemos son duras y planas, las sombras son negras, y las fotos obtenidas no tienen apenas belleza. Pero no se debe renunciar a este momento, ya que se pueden utilizar los filtros polarizadores, que filtran algunos rayos del sol mejorando nuestros cielos, creando unos azules oscuros que darán belleza a nuestra imagen.

Foto: mamen calderón


Otra cosa que puedes hacer para combatir esta luz es convertir las fotos a blanco y negro. Como ya hemos dicho, durante estas horas obtenemos imágenes muy contrastadas y sombras duras, que son perfectas para este tipo de fotografía.

En los días nublados, las nubes reducen el contraste y las sombras negras, ya que actúan como difusores de los rayos del sol, pero además generan texturas en el cielo, que puedes usar para realzar tus imágenes.

Pasado este punto negro, la luz empieza gradualmente a volverse otra vez difusa, ya que vamos camino del atardecer.

El atardecer es donde encontraremos algunas de las mejores condiciones para la fotografía. Todo lo que ocurre con la luz es lo mismo que ocurre a la salida del sol, pero se produce en orden inverso. Se inicia cuando el sol se sumerge en el horizonte, lo que produce algunos cambios interesantes en la calidad de la luz. La luz comienza a tomar una apariencia de color amarillo o rojizo, es lo que se conoce como Hora de oro. No es realmente una hora, suele durar entre 30 y 40 minutos (esto varía dependiendo de la distancia al ecuador nos encontremos). Se inicia justo antes del atardecer y termina alrededor de 20 minutos después de que el sol se ponga. Las fotografías tomadas durante este tiempo se benefician de tener un montón de luz, pero es más difusa,más suave, y las sombras no son negras. Como su nombre indica, la luz tiene un matiz más cálido que puede hacer fotos espectaculares.

Foto: mamen calderón


La puesta de sol es otro momento mágico y que todos los fotógrafos quieren fotografiar. Las condiciones son conocidas por todo el mundo, así que os dejo un consejito: Lo primero que puedes hacer es subexponer ligeramente sus fotos, con un paso es suficiente. Esto es un buen recurso si no tienes un trípode a mano. Subexponiendo conseguiremos reducir el tiempo de exposición y evitaremos vibraciones de la cámara y, en general, hará que los colores en el cielo sean más vibrantes.

Al ponerse el sol, ya no hay ninguna luz directa en el primer plano. Todo tiende a hacerse negro. Pero no dejes de hacer fotografías! Si no sabes como te doy dos opciones: 
  • Puedes crear siluetas. Esto se hace comúnmente con la gente, pero se puede trabajar con una variedad de temas. Para ello, debes dejar el cielo correctamente expuesto, de esta forma los elementos que hay en primer plano serán de color negro. 
  • Compensar la falta de luz directa en el primer plano usando un filtro de densidad neutra graduado. Este filtro oscurece el cielo sin afectar el primer plano, es decir, el filtro baja un tono el cielo y hace visible el primer plano. Inevitablemente, habrá que compensar la exposición a toda la imagen (ya que el filtro hizo el cielo más
Foto: mamen calderón

Después de la puesta del sol es un gran error pensar que ya no se pueden hacer fotografías. Después de la puesta del sol todavía hay condiciones de luz favorables, y de hecho, algunas de las mejores. Estas serán los mismos que ya se ha comentado cuando hemos hablado del crepúsculo.

Por último, no podemos olvidar de la fotografía nocturna donde no se necesita preocuparse por los cambios de luz, haciendo de este un momento relajante para fotografiar.

Si se desea capturar estrellas hay que esperar un par de horas después de la puesta del sol, así nos habremos asegurado que los rayos del sol han desaparecido completamente de la atmósfera.

Los tiempos y duraciones de las fases de la luz no son exactas y dependerán de la ubicación y época del año en la que nos encontramos. Antes de salir de casa comprueba estos datos, no te lleves luego una sorpresa desagradable.

miércoles, 11 de marzo de 2015

Películas que debería ver un fotografo: The Mexican Suitcase

El documental cuenta la historia de tres fotógrafos que viajaron a España durante la Guerra Civil para retratar lo que aquí ocurría. Sus imágenes desaparecieron en París en 1939, más de 4.000 fotografías que no se recuperaron hasta 2007 en Ciudad de México.


La maleta en sí nunca existió. Se trata de tres cajas de cartón, parecidas a las de bombones, en las que permanecieron guardados y desaparecidos, durante siete décadas, los negativos de entre 3000 y 4000 fotografías que Robert Capa, Gerda Taro y David Seymour (Chim) tomaron durante la Guerra Civil Española, un período que abarca de mayo de 1936 a la primavera de 1939.
Este documental es una metáfora de viajes y tesoros perdidos, una historia de descubrimiento de imágenes nuevas y también conocidas que desenmarañan historias inciertas.

Más información:
Imagenes:

Una de las cajas con los negativos

Los negativos contenidos en la “maleta mexicana” fueron descubiertos entre los efectos del general Aguilar por el director de cine mexicano Benjamin Tarver, quien los heredó a la muerte de su tía, amiga del general.



martes, 10 de marzo de 2015

Histografía: Robert Capa. 1936

En el otoño de 1934, André conoció en París a Gerda Pohorylle (conocida más adelante como Gerda Taro), una judía alemana refugiada. Se enamoraron y al poco ya vivían juntos. Ella mecanografiaba los pies de foto de André y consiguió un trabajo en la agencia que representaba a André. Al mismo tiempo André la enseñó a manejar una cámara, así como las técnicas de revelado y copiado. Llegaron a convertirse en inseparables, de hecho hay fotografías que no se sabe muy bien quien de los dos es el autor, la única manera de saberlo es por el tipo de negativo. Robert Capa siempre iba con su Contax de 35 mm y Gerda Taro con su cámara reflex Korelle de medio formato (6x6).

En la primavera de 1936, decidieron crear un personaje: Robert Capa, glamouroso fotógrafo de gran éxito americano. El nombre de Robert parece que procede de un actor de cine: Robert Taylor, que en 1936 encarnó al amante de Greta Garbo en la película “Margarita Gautier”, y el apellido de Capa es una adaptación del director de cine Frank Capra, que en 1934 ganó el Oscar a la mejor película, mejor director, y mejores actor y actriz por la película “Sucedió una noche”. Gerda por su parte, cambió su apellido por el de Taro, que tomó prestado del joven artista japonés y amigo de la pareja, Taro Okamoto.

Cuando Gerda hacía sus rondas por las redacciones, iba contando que las fotos de André eran realmente las del tal Robert Capa, e insistía que le hacían un gran favor al comprarles el trabajo, los redactores quedaron gratamente impresionados por lo que empezaron a comprar las fotografías y a publicarlas. Pero el misterio de Capa no tardó en ganar celeridad, y cuando se iba a destapar la maña, André llegó a la conclusión que tendría que adoptar el nombre de su personaje y vivir de la reputación de este fenómeno imaginario. 

En agosto de 1936, Capa viajo a España a cubrir la Guerra Civil, donde realizó un trabajo exhaustivo y apasionado, como era característico en él. Es en este viaje donde Capa realiza la famosa fotografía de un miliciano de la República siendo fatalmente abatido en combate, imagen publicada internacionalmente. Pero esta guerra que le dio tanto éxito, le quito lo que más quería: Gerda Taro se había vuelto una fotógrafa independiente, y perdió la vida mientras cubría los combates de Brunete. Capa nunca llegó a superar esta desgraciada pérdida.

En 1938, reacio a volver a esta guerra, se fue con el cineasta Joris Ives a China, donde documentaron la resistencia, que había comenzado el año anterior, a la invasión japonesa. Ese mismo otoño, Capa volvió a España a cubrir la partida de las Brigadas Internacionales y las batallas de Mora de Ebro y del Segre, cuyas fotografías fueron publicadas por la revista británica “Picture Post” y le proclamó como: “el mejor fotógrafo de guerra del mundo”.

1936. Muerte de un miliciano

 
1963. Muerte de un miliciano. Guerra Civil española. España
Reproducida en la mayoría de los libros sobre la Guerra Civil, su autenticidad ha sido puesta en cuestión por diversos expertos. A pesar de que un historiador local de Alcoy puso nombre al miliciano anarquista: Federico Borrell García, el documental “La sombra del iceberg” (2007) niega tal atribución con testigos, médicos forenses y documentos del archivo local de Alcoy. Asimismo, muestra lo inconsistente de dicha tesis y aporta nuevas fotos de la secuencia del miliciano que avalan la tesis de la puesta en escena, así como la posibilidad de que la instantánea no la tomara Capa, sino su mujer, Gerda Taro. En enero de 2008 se encontró, según la CNN, una valija perdida por Capa donde están innumerables negativos de tomas que efectuó en la Guerra Civil Española; un tesoro de incalculable valor histórico. Según un artículo publicado en El Periódico, queda de manifiesto que dicho grupo de fotografías fueron tomadas a 10 kilómetros del frente, en la localidad de Espejo, donde tenían en esas fechas las tropas republicanas su cuartel general, según el periódico.

Más información:

Curiosidad:

Canción sobre Robert Capa y Gerda Taro de Alt-J.

Gerda Taro y Robert Capa.



lunes, 9 de marzo de 2015

Vivian Maier

Ayer fue el día de la mujer y por eso os dejamos un video donde se cuenta la vida de Vivian Maier, fue una fotógrafa aficionada que trabajó como niñera en Chicago durante cuatro décadas.

Ver vídeo
Autoretrato Vivian Maier
Autoretrato Vivian Maier


Nació en el año 1926 en Nueva York y era hija de refugiados judíos. Pasó su infancia entre Francia y Estados Unidos. Hacia 1930 su padre las abandonó, y ella y su madre estuvieron conviviendo una temporada con la fotógrafa surrealista Jeanne J. Bertrand (es posible que ahí naciera su interés por la fotografía).  En 1951, con 25 años, se mudó a Nueva York y en 1956 a Chicago, donde pasó la mayor parte de su vida trabajando como niñera de una familia de North Side y ocupando su tiempo libre ha retratar la vida de las calles de Chicago con su cámara de medio formato Rolleiflex.

Maier no solía revelar sus carretes porque no se lo podía permitir. Solo hacía fotos sin importarle mucho el resultado final. También coleccionaba libros de arte y las esquelas de los periódicos. De una de ellas sacó el relato de una de sus películas en Super 8, que trata la historia de una madre y un hijo asesinados. Maier fue con su cámara y rodó en el supermercado donde la madre trabajaba, luego en la casa donde vivía con el hijo, y así, uno a uno, inmortalizó todos los lugares a los que aquellas pobres almas jamás volverían.

La descripción que hacían de ella algunas personas a las que cuidó cuando eran pequeñas:
Era socialista, feminista, crítica de cine y campechana. Aprendió inglés yendo al teatro porque le encantaba. Solía llevar chaqueta de hombre, zapatos de hombre y un sombrero grande. Estaba tomando fotografías todo el tiempo y luego no se las enseñaba a nadie.
Hacia el final de su vida quedó sin vivienda pero 3 hermanos a los que había cuidado de niños le pagaron el alquiler de un apartamento y cuidaron de ella hasta su fallecimiento en 2009.

En diciembre de 2008 se cayó cuando caminaba sobre hielo y se golpeó en la cabeza. Fue llevaba a una residencia de ancianos en Oak Park donde falleció 4 meses después a los 83 años.

Más información:
Web oficial Vivian Maier
Wikipedia
Web oficial película Vivian Maier

Os dejo algunas imágenes de esta gran y desconocida fotógrafa:

Vivian Maier

Vivian Maier

Vivian Maier

Vivian Maier


viernes, 6 de marzo de 2015

Enfocando a... John Thomsom

John Thomson (1837 – 1921) fue un geógrafo y fotógrafo británico. Fue uno de los primeros fotógrafos en viajar al Lejano Oriente, documentando la gente, los paisajes y los objetos de las culturas orientales. Al regresar a casa, su trabajo entre la gente de la calle en Londres consolidó su reputación, y es considerado como un ejemplo clásico del documental social que sentó las bases para el fotoperiodismo. Llegó a convertirse en un fotógrafo de retratos de la alta sociedad en Mayfair, ganando la Autorización Real en 1881.

Mágico callejero. Albuminotipo (1876)


John Thomson. Médico ambulante. 1876


Este médico con su zapato con alza, se puede apreciar que tiene ciertas dificultades para convencer a las mujeres para que le compren algún remedio o cura. A partir del año 1870, la gratitud de los hospitales hacía que la figura del médico ambulante comenzara a ser un anacronismo en las calles de Londres. En esta época se pensaba que la actividad médica callejera era un timo y es por ello que John Thomson sintiera cierto interés en hacer más de una fotografía a este tipo de actividad. 

Durante 1876, John Thomson estuvo haciendo fotografías de todo lo que acontecía por las calles de Londres y fueron publicadas al año siguiente en la famosa serie “Street-life in London”. Cada imagen iba acompañada de un ensayo, escrito por el propio Thomson y estaba basado en las entrevistas realizadas a la gente de la calle, y dejaba constancia de nombre propios, sobrenombre, gritos callejeros, jergas, anécdotas y sabiduría callejera de la época. Por el alto contenido informativo y fotográfico, se considera a esta serie como el “primer estudio de los arquetipos humanos de una ciudad” e influyó en gran medida en la imagen de Londres al menos hasta 1950.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 


Más información:

miércoles, 4 de marzo de 2015

Películas que debería ver un fotógrafo: Everlasting moments

Suecia, 1900. En una época de cambios sociales y pobreza, Maria, una joven trabajadora, gana una cámara fotográfica en un concurso. Empieza entonces a vivir una doble vida, que la lleva a conocer a un fotógrafo que le enseñará a ver el mundo a través de la lente de una cámara.

Cartel Everlasting moments
Cartel Everlasting moments

Película con gran reconocimiento y acogida. Durante 2008, fue nominada como mejor película extranjera a los Globos de Oro, a los Independent Spirit Awards y a los Bodil Awards. Ganó el premio de la Academia de Suecia como mejor película. Ademas, en este mismo año, fue seleccionada para participar en los festivales de Telluride, Toronto y AFI Film. No podemos olvidar que también recibió el premio a la mejor actriz y a la mejor dirección de fotografía en el Festival de Valladolid.

Protagonistas de la película junto al director Jan Troell
Protagonistas de la película junto al director Jan Troell

Esta dirigida por Jan Troell, cineasta sueco que realiza películas realistas, con una fotografía lírica donde la naturaleza tiene lugar de importancia. Junto con Ingmar Bergman y Bo Widerberg fue de los principales cineastas suecos modernos.

Jan Troell fue nominado varias veces a los oscar: 
  • 1971 Nominación Mejor Película de habla No Inglesa: "Los emigrantes"
  • 1972 Nominación Mejor Director: "Los emigrantes”
  • 1972 Nominación Mejor Película de habla No Inglesa: "La nueva tierra"
  • 1972 Nominación Mejor Guión Adaptado: "Los emigrantes"
  • 1982 Nominación Mejor Película de habla No Inglesa: "El vuelo del águila" 

Más información:

En España la encontrarás como Los momentos eternos de Maria Larssons.

Imagenes:







Personalmente me gusta la fotografía, a vosotros que os parece?

martes, 3 de marzo de 2015

Histografía: Robert Capa. Sus inicios.

Robert Capa no deseaba ser fotógrafo de guerra, pero las circunstancias de la vida le impulsaron a ello. Nacido en el seno de una familia judía de Budapest, su verdadero nombre era André Friedmann. En 1931, a los 17 años, se ve obligado a exiliarse por haber participado en manifestaciones contra el régimen húngaro. Se instala en Berlín, donde empieza a trabajar en la célebre agencia Dephot. El director, Simon Gutmann, no tarda en reconocer el talento del joven fotógrafo y le envía a fotografiar a Lev Trotsky, que se encontraba en Copenhague pronunciando una conferencia.
 
DENMARK. Copenhagen. November 27th, 1932. Leon Trotsky lecturing. Robert Capa
Discurso de Leon Trotsky. 1932. Copenhague. Dinamarca

Robert Capa, logró mezclarse como un obrero más y pudo ver/fotografiar el discurso desde un punto de vista diferente, convirtiéndose además en el único fotógrafo que había conseguido retratar al exiliado ruso. Este primer trabajo se hizo famoso por retratar/trasmitir el intenso carisma que Trotsky mostraba en sus discursos.

En 1933, tras el ascenso de Hitler al poder, André Friedmann se ve de nuevo obligado a huir. Se instala en París, deseoso de ganarse la vida realizando reportajes fotográficos. Sin embargo, los inicios son difíciles: pasa hambre, la miseria y la xenofobia se ven mitigadas únicamente gracias a la compañía de sus nuevos amigos: Henri Cartier-Bresson y David Seymour, con los cuales Capa funda, años más tarde, la agencia Magnum Photos.

Más información: